Anthony Cudahy e la sua versione dell’erotismo

Anthony Cudahy è un artista figurativo che manifesta una sensibilità e delicatezza sublime attraverso il suo tratto e la scelta cromatica.

Anthony Cudahy collega un’ampia varietà di riferimenti nella sua pittura, capolavori della storia dell’arte, archivi della cultura queer, iconografia gay, nonché ricordi personali e familiari.

Come ci spiega di seguito, Anthony Cudahy ha conosciuto l’arte da piccolo, ponendosi molte domande fino a quando ha capito che l’arte e sopratutto la pittura sarebbero diventati parte fondamentale della sua vita. L’arte di Antony Cudahy sprigiona un lieve velo erotico e un tratto drammatico, attirando chi l’osserva, un osservatore amante della pulizia visiva, dell’equilibrio e della ricercatezza del colore. Come il rosa che predomina nell’arte di Anthony.

Quando e come l’arte è entrata a far parte della tua vita?

Crescendo mia madre è stata molto artistica e solidale. Ci portava nei musei quando andavamo in viaggio, vedendo spesso più arte antica. La città in cui sono cresciuto non offriva molta arte, e Internet non era quello che è adesso.

Ho davvero trovato l’arte contemporanea in un posto ridicolo: la sezione dei libri d’arte di Barnes and Noble.

Al liceo ho trovato lì un libro di Lucian Freud Sono rimasto sorpreso nell’apprendere che era ancora vivo e dipingeva. Sapevo che le persone continuavano a dipingere, ma non sapevo che le persone potessero essere ancora considerate artisti. Ho scoperto che la pittura era in realtà qualcosa che si poteva ancora fare per tutta la vita, e ha avuto un enorme impatto su ciò che ho fatto da quel momento in poi.

Qual’è stato il tuo percorso?

Mi sono trasferita a New York a diciotto anni e ho frequentato il Pratt Institute. Ho trascorso anni dopo continuando a dipingere e facendo diversi lavori mentre cercavo di scavare sempre più a fondo nel mezzo. Ho fatto molte fanzine e ho lavorato su due piccole pubblicazioni Packet Biweekly e Slow Youth. Alla fine, sono andato all’Hunter College per studiare, ma a metà del mio percorso è subentrato il Covid e lo ha interrotto. Durante la mia permanenza lì ho iniziato a esporre con 1969 Gallery, poi Hales Gallery negli Stati Uniti e Semiose in Europa.

Cosa ritrai?

Sono soprattutto un pittore figurativo. I dipinti più piccoli si concentrano spesso su un’espressione o un gesto che trovo coinvolgente. I dipinti più grandi sono vagamente più narrativi. Il mezzo della pittura è molto autoreferenziale e spesso dipingo attingendo da dipinti di altri pittori o mi riferisco ad altre opere.

Chi sono i soggetti protagonisti delle tue opere?

Nonostante sia un pittore figurativo, sono spesso reticente a riferirmi alle opere come ritrattistica. Soprattutto nelle scene più grandi, le figure che agiscono spesso in modi allegorici, quasi come personaggi.

Quando ho iniziato a dipingere mio marito, il fotografo Ian Lewandowski, questo è diventato più confuso.

A volte i suoi dipinti rientrano più nel regno dei ritratti, ma altre volte interpreta un ruolo. Da quel momento in poi sono diventato sempre più interessato a posare e dipingere le persone nella mia vita. Prima prendevo ispirazioni da archivi d’immagini.

Perché la scelta della pittura a olio?

C’è un’alchimia nella pittura a olio. È una relazione permanente tra il pittore e il mezzo, perché ci sono così tanti strati per conoscere l’olio. Il colore è ovviamente un aspetto enorme ma solo una delle tante tane del coniglio.

Ogni tubo ha la sua personalità e interagisce con altri tubi in una rete infinitamente complessa.

È avvincente. Amy Sillman ha scritto un pezzo davvero meraviglioso su questo.

Nei tuoi lavori troviamo spesso diverse tonalità di rosa, che importanza ha per te?

Il colore è qualcosa a cui penso sempre più come forza all’interno del dipinto, come le figure. Alcuni colori possono esercitare un potenziale narrativo. Ci sono i rosa di cui sono particolarmente ossessionato.

Montserrat Orange di Williamsburg Paint è quasi magico.

Crea una luce e un’atmosfera semplicemente da solo.

Osservando la tua arte mi sembra di avvertire tanta intimità e delicatezza, è cosi?

Sono interessato alla vulnerabilità o alla precarietà e penso che per esistere in quel regno ci debba essere intimità.

È il duplice significato della parola tenero: una vicinanza romantica all’altro o un livido doloroso.

Man mano che sviluppavo i miei dipinti e disegni, sono diventati sempre più dettagliati. L’osservazione ravvicinata necessaria per questo è in un certo senso intima, trascorrendo così tanto tempo lento a esaminarne un altro.

Cosa provi nell’autoritratti? 

Simile ai dipinti di Ian che cambiano la mia prospettiva sul fatto che alcuni dipinti fossero ritratti, gli autoritratti sono un’aggiunta recente alla mia pratica. Spesso sono modi per interagire con altri dipinti. Il primo autoritratto che ho fatto è stato per il mio assolo con Semiose la scorsa estate ed ero io nella posa di un autoritratto di David Hockney.

Di recente ne ho fatto un altro per una mostra collettiva di autoritratti al Lyles and King qui a New York che era un riferimento a due autoritratti, uno di Joan Brown e l’altro di Francis Bacon. Mi piace complicare il ritratto di “artista in studio” aggiungendo un lignaggio di paternità assumendo la posa e l’intenzione di altri artisti.

Dove possiamo vedere le tue opere? Che progetti hai per il futuro?

Attualmente sto lavorando a un corpus di lavori per una mostra personale per il prossimo ottobre alla Grimm Gallery, Amsterdam.

Opera in apertura:

Anthony Cudahy,
devirosflexing i, 2020
Huile sur toile / Oil on canvas 61 × 46 cm / 24 × 18 inches No Inv. AC20010
Photo : A. Mole
Private collection